Koji Fukada: l’amore, la società e il rifiuto della propaganda
di Bianca Ricci
Regista e sceneggiatore tra i più apprezzati del panorama giapponese contemporaneo, Koji Fukada ha costruito nel tempo una filmografia coerente e profondamente interrogativa. Allievo di Koyoshi Kurosawa alla Film School of Tokyo, Fukada si è imposto nei festival internazionali a partire da Hospitalité (2010), fino alla consacrazione con Armonium, premiato nella sezione Un Certain Regard al Festival di Cannes nel 2016. Il suo ultimo lavoro, Love on Trial (2025), presentato sempre a Cannes, conferma una ricerca artistica centrata sui rapporti umani e sulle tensioni che li attraversano.
Durante l’incontro con il pubblico, Fukada ha chiarito subito il cuore del suo cinema: l’interesse per l’amore non come dimensione idealizzata, ma come spazio di conflitto. “In un rapporto sentimentale c’è qualcosa di intrinsecamente crudele”, ha spiegato. La scelta di una persona implica inevitabilmente l’esclusione di qualcun altro, e questa dinamica rivela una verità più ampia sulla natura delle relazioni umane. È proprio questa ambivalenza —tra desiderio e sofferenza— a nutrire la sua ispirazione.
Questi temi tornano con forza in Love on Trial, che racconta la storia di una giovane idolo costretta a confrontarsi con le rigide regole dell’industria dell’intrattenimento giapponese. Il film prende spunto da casi reali, in cui artiste sono state punite o umiliate pubblicamente per aver intrattenuto relazioni sentimentali. Fukada non nasconde l’esistenza di un pregiudizio strutturale nei confronti delle donne, spesso bersaglio di aspettative sociali oppressive. Tuttavia, rifiuta di trasformare il film in una denuncia esplicita o in un atto d’accusa diretto.
“Non voglio fare propaganda”, ha dichiarato con decisione. Per Fukada, il cinema deve evitare la tentazione di imporre un messaggio univoco, una deriva che storicamente ha accompagnato anche le forme più alte di espressione artistica, piegate a fini ideologici. Al contrario, il suo obiettivo è creare uno spazio di riflessione: uno “specchio” in cui lo spettatore possa riconoscersi e interrogarsi.
Questa posizione si riflette nella costruzione dei personaggi. In Love on Trial, anche l’agenzia che controlla la protagonista non viene rappresentata come un antagonista monolitico. Ogni figura ha le proprie ragioni, comprese quelle che, nella realtà, contribuiscono a perpetuare il sistema. Fukada cerca così di includere anche il punto di vista dei fan, degli operatori del settore e di chi sostiene quell’industria, evitando una narrazione manichea.
La scelta frequente di protagoniste femminili nasce proprio da questa attenzione verso chi occupa posizioni marginali o vulnerabili. Senza una strategia deliberata, il regista si ritrova a raccontare storie di individui —spesso donne— che subiscono la pressione sociale o ne pagano le conseguenze. Il mondo delle idol, in questo senso, diventa un microcosmo emblematico: un sistema in cui la libertà individuale è fortemente limitata e le decisioni sono prese da altri, spesso uomini e figure di potere.
Ma Fukada invita a non considerare questo fenomeno come isolato. Le dinamiche di controllo e conformismo attraversano l’intera società giapponese, e non solo il mondo dello spettacolo. Attori, attrici e performer condividono una condizione simile, in cui l’autonomia personale è sacrificata alle esigenze dell’industria. In questo quadro, la ribellione della protagonista di Love on Trial assume un valore simbolico: il rifiuto di conformarsi diventa un atto di resistenza individuale.
Infine, Fukada ha riflettuto sulle influenze che hanno plasmato il suo approccio. Più che modelli diretti, cita autori capaci di mantenere una distanza narrativa, evitando di guidare lo spettatore verso un’identificazione forzata. È in questa “terza persona” che il regista trova la sua voce: uno sguardo che non giudica, ma osserva e mette in relazione.
In un’epoca in cui il cinema rischia spesso di ridursi a veicolo di messaggi preconfezionati, l’opera di Koji Fukada si distingue per la sua ambiguità fertile. I suoi film non offrono risposte, ma pongono domande — e proprio per questo continuano a risuonare ben oltre la visione.
